O pai do rádio auriverde

Muitas pessoas já dedicaram parte de sua vida ou toda ela, à construção e desenvolvimento do Brasil. Uma delas foi Edgard Roquette-Pinto, principalmente quando percebeu profeticamente em 1922, a importância do rádio como a forma de comunicação popular e democracia cultural em nosso país.

Médico, antropólogo e educador brasileiro, nascido no Rio de Janeiro, no bairro de Botafogo, em 25 de setembro de 1884, Roquette-Pinto foi o precursor da radiodifusão brasileira, sempre com o objetivo de difundir cultura e educação. Graduou-se em medicina, com especialização em medicina geral, mas logo rumou para a Antropologia, sendo nomeado professor assistente de antropologia do Museu Histórico Nacional em 1906. Conheceu então uma das figuras mais marcantes para sua biografia e para história do Brasil, o tenente-coronel Cândido Mariano da Silva Rondon.

Roquette-Pinto acompanhou Rondon em uma de suas expedições à Serra do Norte, tendo contato com os índios Nhambiquaras e pioneiramente filmando uma civilização que ainda vivia na pré-história em plena alvorada do séc.XX. Filmava e tomava apontamentos a todo instante em seus cadernos de viagem.

Nessa expedição - e em toda a sua vida - foi etnógrafo, sociólogo, geógrafo, arqueólogo, botânico, zoólogo, lingüista, farmacêutico, legista, fotógrafo, cineasta e folclorista. Com todas as experiências e anotações que trouxe na bagagem, Roquette- Pinto passou os 4 anos seguintes escrevendo um dos marcos da Etnografia brasileira, o livro "Rondônia", que o levaria posteriormente à Academia Brasileira de Letras.

Em 1922 a então rádio telefonia é mostrada ao País na exposição comemorativa do centenário da Independência do Brasil. Roquette-Pinto entusiasmou-se com os novos equipamentos que não despertava especial atenção dos freqüentadores da referida feira. Vislumbrou-lhe o futuro.

No início de 1923, convicto da importância educativo-cultural do rádio, sensibilizou com suas idéias o presidente da Academia Brasileira de Ciências e fundou, em 20 de abril daquele mesmo ano, a primeira estação de rádio no Brasil, a Sociedade Rádio do Rio de Janeiro, instituição de caráter basicamente educativo-cultural que funcionava como uma sociedade real, sobrevivendo das doações de seus sócios.

Anos depois, para não transformá-la em um veículo comercial, Roquette-Pinto preferiu doá-la ao Ministério de Educação e Cultura. Nascia assim a atual Rádio MEC. Em 1927 ingressou na Academia Brasileira de Letras, onde ocupou a cadeira 17. Dois anos depois realizou as primeiras demonstrações televisuais no Brasil.

Incansável, em 1934 fundou a Rádio Escola Municipal do Rio de Janeiro, emissora de caráter estritamente educacional atuando nos vários níveis de ensino. Em 1946 a Rádio Escola passou a se denominar Rádio Roquette-Pinto, homenageando seu fundador e idealizador, que idoso e enfermo, não concordava com a homenagem. Mesmo assim o Prefeito Henrique Dodsworth, à revelia, deu o nome de Roquette-Pinto, ainda em vida, à emissora.

Edgard Roquette-Pinto, este grande pioneiro, viria a falecer alguns anos depois, a 18 de outubro de 1954 aos setenta anos de idade. Deixando a sua marca de realizações e idealismo.

http://www.94fm.rj.gov.br/

Uma pequena grande obra

Sidney Álvaro Miller Filho ( Rio de Janeiro , 18 de abril de 1945/ Rio de Janeiro, 16 de julho de 1980 )

O carioca de Santa Teresa Sidney Miller despontou como compositor no cenário musical brasileiro durante a década de 1960 , e assim como outros artistas que também estavam começando participou com algum destaque em diversos festivais de música , bastante populares nesse período. Cursou Sociologia e Economia, porém sem concluir nenhum dos cursos.

No início da carreira chegou a ser comparado com o também estreante Chico Buarque , uma vez que tinham em comum, além da timidez, a temática urbana e um especial cuidado na construção das letras. Além disso, a cantora Nara Leão , famosa por revelar novos compositores, teve grande importância na estréia dos dois - inclusive gravando, em 1967 , o disco Vento de Maio, no qual dividiam quase todo o repertório: Chico Buarque assinou 4 canções, enquanto Sidney Miller era o autor de outras cinco. O primeiro registro importante como compositor foi em 1965 no I Festival de Música Popular Brasileira da TV Excelsior (SP), obtendo o 4º lugar com a música Queixa, composta em parceria com Paulo Thiago e Zé Keti , interpretada por Cyro Monteiro . Em 1967 pelo famoso selo Elenco de Aloísio de Oliveira lançou o primeiro disco, na qual se destaca por re-trabalhar temas populares e cantigas de roda como O Circo, Passa Passa Gavião, Marré-de-Cy e Menina da Agulha. Sidney Miller compôs juntamente com Théo de Barros , Caetano Veloso e Gilberto Gil a trilha sonora para a peça Arena conta Tiradentes , dos dramaturgos Augusto Boal e Gianfrancesco Guarnieri . Nesse mesmo ano, ao lado de Nara Leão interpretou a música A Estrada e o Violeiro no III Festival de Música Popular Brasileira da TV Record (SP), conquistando o prêmio de melhor letra.

Em 1968 , também pelo selo Elenco lançou o Lp Brasil, do Guarani ao Guaraná, que contou com as participações especiais de diversos artistas como Paulinho da Viola , Gal Costa , Nara Leão , MPB-4 , Gracinha Leporace , Jards Macalé , entre outros. O maior destaque do disco ficou por conta toada Pois é, Pra Quê. A partir de então Sidney Miller intensificou a carreira na área de produção. Juntamente com Paulo Afonso Grisolli organizou no Teatro Casa Grande (RJ) o espetáculo Yes, Nós Temos Braguinha , com o compositor João de Barro . Também com Grisolli, relançou a cantora Marlene , no show Carnavália, que fez bastante sucesso. Em 1969 produziu e criou os arranjos do Lp de Nara Leão Coisas do Mundo.

Ainda em 69, ao lado de Paulo Afonso Grisolli , Tite de Lemos , Luís Carlos Maciel , Sueli Costa , Marcos Flaksmann e Marlene organizou o espetáculo Alice no País do Divino Maravilhoso , além de compor a trilha sonora do filme Os Senhores da Terra, do cineasta Paulo Thiago . Também para cinema , Sidney Miller foi o autor da trilha dos filmes Vida de Artista (1971) e Ovelha Negra (1974), ambos dirigidos por Haroldo Marinho Barbosa . Sidney Miller foi autor da trilha sonora das peças Por mares nunca dantes navegados ( 1972 ), de Orlando Miranda , na qual musicou alguns sonetos de Camões , e do espetáculo a A torre em concurso ( 1974 ), de Joaquim Manuel de Macedo . Em 1974 lançou pela Som Livre o último disco de carreira o Lp Línguas de Fogo.

Nos últimos anos de vida, Sidney Miller estava afastado do circuito comercial. Tinha planos de voltar a gravar, agora de forma independente, um LP que se chamaria Longo Circuito . Trabalhava na Funarte , quando faleceu após uma súbita parada cardíaca . A sala em que trabalhava passou a se chamar Sala Funarte Sidney Miller e foi transformada num teatro . A morte de Sidney Miller, diferente do que foi noticiado, não foi causada por suicídio . Ele sofreu de uma parada cardíaca na madrugada de 16 de julho de 1980 .

* Sidney Miller - Elenco - 1967
* Brasil, do Guarani ao Guaraná - Elenco - 1968
* Línguas de Fogo - Som Livre - 1974 * Sidney Miller - Projeto Almirante/ Funarte - 1982 (tributo)

O Outro Pai do Rádio Auriverde

Ademar da Silva Casé, conhecido como Ademar Casé, nasceu na cidade de Belo Jardim, Pernambuco, em 09 de Novembro de 1902, filho de João Francisco Casé e Rita Leopoldina Casé.

Cinco anos depois, questões políticas os obrigaram a fugir da cidade. João Francisco havia feito campanha pra um compadre que concorria à prefeitura. Os votos não eram secretos e quem venceu foi o outro candidato.

Naquela época era comum esse tipo de perseguição. Política era questão de vida ou morte. Um dia anterior à fuga, outro compadre dele havia sido assassinado. Através de um amigo da família, João Casé ficou sabendo que quatro homens estavam prontos para assassiná-lo, antes que a noite terminasse.
O tempo passou e João Francisco recebeu a notícia de que a situação em Belo Jardim estava novamente a seu favor. Seu compadre era finalmente o novo prefeito, o que foi determinante para o seu retorno a Pernambuco. No entanto, por pressão de parentes e até mesmo de sua esposa, a nova morada seria em outra cidade, Caruaru.

Um imenso desafio esperava Ademar e sua família naquele novo lugar. Uma epidemia mundial também atingiu a cidade. A gripe espanhola expandiu-se de uma maneira que em todas as residências alguém estava com o vírus. No lar de Ademar não foi diferente. Todos na casa dele ficaram doentes, exceto sua mãe. O pai, João Francisco estava muito mal, não resistiu e morreu.

Em busca de melhores condições de vida e trabalho, Ademar, com apenas 17 anos, foi para Recife. As economias acabaram e o emprego não surgia. Casé dormia nas praças e passava fome.

Através de um amigo de Caruaru, Ademar conseguiu um emprego no “Bilhares Recreio”, no mais famoso e aristocrático salão de bilhar da Capital. Seu trabalho era varrer, arrumar o salão e organizar as mesas de bilhar.

Foi no Recreio que Ademar conheceu o capitão Rogaciano de Mello. Aproveitando a oportunidade, Casé falou do seu interesse em ingressar na carreira militar. Não demorou muito e ele já estava alistado no 21º Batalhão de Caçadores. Dias depois, Casé chegava ao Rio de Janeiro com o grupamento militar.

Era 1922 e o Rio de Janeiro fervia. O país estava vivendo um intenso clima político com a sucessão presidencial. O presidente Epitácio Pessoa elegeu o seu sucessor Arthur Bernardes, o que provocou revoltas e protestos em vários estados. O agrupamento militar, com o qual Ademar saiu de Recife, foi direcionado para a Vila Militar, primeiro regimento de Infantaria, um dos focos de oposição ao então novo presidente Arthur Bernardes.

Involuntariamente, Ademar Casé entrou em combate. Na Vila Militar, diferentemente do que ocorreu no Forte, a revolta foi rapidamente abafada. Os envolvidos foram presos e reenviados para outros estados. Ademar foi preso e levado para São Paulo e, depois, transferido para a cidade de Rio Claro, ficando na Segunda Companhia de Metralhadoras Pesadas.

Dois meses depois, Casé foi posto em liberdade e embarcou em navio de volta a Pernambuco, mas o seu desejo de vencer na vida, de retornar a capital do país e “tentar a sorte na cidade grande” era cada vez maior. Fez alguns “bicos”, juntou algumas economias e embarcou novamente para o Rio de Janeiro.

Após uma longa procura de emprego, Casé conseguiu trabalho no Café Mourisco, um varejo de frutas. Lá, conheceu um argentino que o convidou para trabalhar numa Distribuidora de frutas argentinas no Brasil. Permaneceu nesse emprego até o fim da Câmara de Comércio Brasil-Argentina que foi decretado pelo governo.

Em seguida, Casé trabalhou como corretor de imóveis, vendendo terrenos de um loteamento paradisíaco apresentado em plantas belíssimas. O que Ademar e seus clientes não sabiam era que tudo não passava de uma farsa. Certo dia acompanhando um grupo de clientes numa visita ao loteamento, Casé e todos os clientes se decepcionaram. O lugar era terrível. Não tinha nada do que era apresentado no projeto e, para completar, um dos visitantes foi picado por uma cobra.

Novamente desempregado, Casé tornou-se agenciador de anúncios para a revista Don Quixote e outras publicações como o Careta, Revista da Semana, Fon-Fon, Para Todos, Cena Muda e O Malho. Como o dinheiro era pouco, decidiu que precisava de mais um emprego e começou a ser vendedor de receptores Phillips.

Com a lista telefônica na mão, Casé buscava nomes e endereços de possíveis clientes. A tática era visitar as casas durante os dias úteis. Ele esperava o dono da sair para trabalhar e só então tocava a campanhia.

O segredo consistia em pedir para falar com o proprietário da casa chamando-o pelo nome como se realmente o conhecesse. Em seguida, falava para a esposa que tinha informações que o marido estava interessado em adquirir um rádio. E como a esposa nunca estava sabendo do assunto, e seria impossível saber, ele deixava o aparelho ligado e sintonizado na PRAA Rádio Sociedade do Rio de Janeiro, a melhor da época.

Quando voltava, três dias depois, a família já estava encantada pela novidade. Muitas vezes, ainda contra a vontade, o dono terminava comprando o aparelho. As vendas eram impressionantes e o diretor comercial da Philips do Brasil quis conhecer pessoalmente esse vendedor que chegava a levar 30 aparelhos no carro, vendia todos e voltava com um pedido de mais 27.

Aproveitando os contatos e a sua fama como grande profissional dentro da Phillips, Ademar sugeriu a Vitoriano Borges, um dos diretores, o aluguel de um horário. Explicou que essa nova experiência seria ainda melhor e mais dinâmico do que o “Esplêndido Programa,” programa de maior sucesso na época transmitido pela Rádio Mayrink Veiga.

Domingo 14 de fevereiro de 1932, oito horas da noite, nasceu o programa do Casé que foi batizado em pleno ar. Ademar não havia pensado em um nome para o programa e coube ao Diretor da Rádio Phillips Dr. Augusto Vitoriano Borges improvisar: "A rádio Phillips do Brasil, PRAX, vai começar a irradiar o Programa Casé".

Foi com essa frase que o diretor da Rádio Phillips, Dr. Augusto Vitoriano Borges, batizou o programa que Ademar estreava e que até então não tinha nome, detalhe que foi corrigido no ar com o improvisado “Programa Cas锝. Nascia, então, o programa que mudaria para sempre a história do rádio brasileiro.

Era o primeiro domingo após o carnaval, dia 14 de fevereiro de 1932, oito horas da noite. Casé havia alugado o horário das oito até meia noite, por 60 mil reis por programa.

Para conseguir realizar um programa dinâmico, inovador e principalmente com audiência, Casé precisava de alguém que conhecesse os famosos artistas da época. O contratado foi Sílvio Salema que, além de ser um conhecido cantor da época, era parente de Graziela, esposa de Ademar.

O primeiro programa já foi realizado com grandes nomes, entre eles, Sílvio Salema, Nonô, Luís Barbosa, Mário de Azevedo, João Petra de Barros. A Orquestra de Cordas, com a regência do maestro Romeu Ghipsmann e outros conjuntos embalaram a estréia de Casé, que foi considerada um sucesso.

No início, o programa era dividido em dois horários. O primeiro destinava-se a música popular e o outro a música erudita. Com apenas um programa algo ficou evidente, a música popular era muito mais ouvida. Os telefones não paravam de tocar durante as apresentações dos grandes nomes da época. Casé precisava de audiência e se viu obrigado a retirar a parte erudita, dedicando-se apenas a música popular.

Antônio Nássara e Cristóvão Alencar passaram a fazer parte da equipe de Casé. Os programas foram ficando cada vez melhores, nos moldes da BBC de Londres e da norte-americana NBC.

Ademar Introduziu um dinamismo jamais visto nos programas de rádio no Brasil. Era o fim do amadorismo e o início de programas bem produzidos.

Era costume, no Brasil, abandonar o ouvinte, enquanto se afinava um instrumento ou se resolvia algo. O microfone era sempre desligado nesses intervalos. Casé era um assíduo ouvinte das rádios americanas nas quais, independente do que acontecesse, a música não parava, o ouvinte deixava-se envolver por um ritmo sincronizado que parecia não ter fim. Desse modo, Casé introduziu o BG, (Background), uma música de fundo durante os intervalos entre as apresentações do Programa, recurso absolutamente imprescindível nos dias atuais.

O Programa Casé, com pouco tempo de existência, era o mais ouvido do Rio de Janeiro. Era no microfone de Casé que passavam os maiores artistas da época. Cantar no Casé era motivo de orgulho para todos, principalmente para aqueles que estavam iniciando suas carreiras.

Foi Ademar o primeiro profissional de rádio a valorizar os artistas, o respeito não se dava apenas na sua forma de saber conduzir e reunir suas estrelas, mas, sobretudo, com relação aos bons cachês que eram pagos a todos que passassem pelo Programa, o que resultava em audiência e conseqüentemente em anunciantes.

Cantar no Casé era ser exclusivo do Programa, o que consistia em ter o compromisso de passar domingos inteiros no estúdio, esperando a hora de sua apresentação. Era necessário que todos permanecessem na emissora, afinal, a qualquer momento, poderiam ser chamados ao microfone. Microfone que, por sinal, era um terror para Ademar que o admirava a distância. Casé nunca gostou de falar em microfones.

Era o começo da popularização do rádio que, durante muito tempo, serviu como símbolo de status, tocando apenas óperas e músicas clássicas. A população se identificava com os astros e com as populares canções que eram tocadas no Programa do Casé. O teatro e o humor foram também dois grandes trunfos nas programações de Ademar.

Entre as dezenas de estrelas que participavam do Casé, estavam Francisco Alves, Noel Rosa, Aurora e Carmen Miranda, Orlando Silva, Zezé Fonseca, Sílvio Caldas, Marília Batista, Pixinguinha, entre outros. Uma das artistas mais queridas de Ademar era A “Pequena Notável”, Carmen Miranda. Antes de entrar para o rádio, Casé já era fã da cantora que fazia parte do grupo de “estrelas” do seu programa.

Se até então Ademar havia revolucionado o rádio no país, foi na publicidade que Casé fez história, com uma equipe fantástica de redatores da qual participaram Cristovão Alencar, Paulo Roberto, Henrique Pongetti, Orestes Barbosa, Luiz Peixoto e Nássara. Foi Nássara que compôs para um cliente do Casé, o jingle da Padaria Bragança, primeiro da publicidade brasileira.

Casé contava, ainda, com o trabalho excepcional de Almirante, dotado de uma polivalência pouco vista, ele era o "braço direito de Casé". Dono de um grande espirito empresarial, cuidava do setor financeiro, era speaker e também era um grande humorista e contava piadas no programa.

O programa Casé foi a verdadeira escola intinerante de rádio no país. Da rádio Phillips, o programa transferiu-se para a Sociedade do Rio de Janeiro. Em seguida, ingressou na Rádio Transmissora PRE-3 que foi vendida para o Grupo do jornal O Globo. Depois de uma breve passagem pela Rádio Cajuti, Casé foi para a Rádio Mayrink Veiga PR9-E, onde permaneceu durante sete anos. Da Mayrink passou-se para a Rádio Globo, chegando, finalmente, na PRG-3, Rádio Tupi do Rio de Janeiro.

Foi na Mayrink Veiga que o Programa Casé tornou-se ainda mais marcante com uma exploração ainda maior do humor e da teatralização com as radionovelas. Uma grande paixão de Ademar, que no inicio não obteve boas respostas do público, foi a música clássica, mas a insistência e a criatividade de Casé foram responsáveis pela popularização do clássico.

O programa “Teatro Imaginário” transmitia para os ouvintes óperas inteiras, dando a impressão de que era ao vivo, diretamente do Teatro Municipal do Rio de Janeiro.

O rádio vivia o seu apogeu, os cantores de rádio recebiam da imprensa e do público da época um tratamento de grandes estrelas. O programa do Casé era a melhor e a mais popular diversão radiofônica dessa época. Jingles, reclames, e anúncios fantásticos e criativos marcaram o Casé. Famosas radionovelas, excelentes humoristas e cantores eram os atrativos desse programa que atravessou quase duas décadas se superando.

Casé estava na Rádio Tupi quando a Televisão chegou ao país. Era 1951 quando o Programa Casé encerravva sua história, mas Casé já estava se preparando para outras inovações. Montou uma agência de propaganda e foi trabalhar na TV, onde produziu vários programas entre eles, Convite à Música, Show Cássio Muniz, Show Regina, Tele-Semana, Petit Ballet. Mas foi o Programa Noite de Gala que imprimiu o ritmo da televisão que temos hoje, a melhor produção de TV de Ademar que, novamente, tinha uma grande equipe ao seu lado, dentre os quais Carlos Thiré, Sérgio Provenzano, Sérgio Porto e ainda o seu filho Geraldo Casé.

Em 1960, após sofrer um enfarte, Casé abandonou os meios de comunicação, por recomendações médicas, o que não o impediu de abrir outra Agência de Publicidade, Agência Casé, que foi entregue, anos depois, ao seu filho Maurício Casé.

No dia 07 de abril de 1993, aos 90 anos de idade, a história do rádio e da TV, morreu Ademar Casé um dos seus mais importantes e inovadores personagens.

O amante da música

Cole Albert Porter ( 9 de junho de 1891 - 15 de outubro de 1964 ),
músico e compositor norte americano.

Porter nasceu em Peru, Indiana , de família abastada. Seu avô materno,
James Omar "J.O." Cole, era especulador de carvão e madeira e dominava a
família da filha. A mãe de Cole iniciou-o no estudo musical desde tenra
idade; ele aprendeu violino aos seis anos, piano aos oito e escreveu sua
primeira opereta (com o auxílio da mãe) aos 10. Ela não só reconheceu
como incentivou os talentos do filho e chegou a alterar sua data de
nascimento de 1891 para 1893 para fazê-lo parecer mais precoce. O avô de
Porter, J.O. Cole, queria que o garoto se tornasse advogado e, pensando
nessa carreira, enviou-o para a Academia de Worcester em 1905 e depois
para a Universidade de Yale em 1909.


Nesse período, Porter compõe uma série de canções estudantis, incluindo
as do time de futebol americano "Bulldog Bulldog" e "Bingo Eli Yale"
tocadas em Yale ainda hoje. Cole Porter compõe cerca de 300 canções
no período de Yale.


Porter passa um ano na Faculdade de Direito de Harvard em 1913 (onde foi
colega de quarto de Dean Acheson), e então transfere-se para a Faculdade
de Artes e Ciência.


Em 1915, sua primeira canção para a Broadway, "Esmeralda", aparece na
revista "Hands Up". O rápido sucesso é seguido imediatamente por um
fracasso; sua primeira produção para a Broadway, em 1916, "See America
First" ( libreto de Lawrason Riggs), fica apenas duas semanas em cartaz.
As produções seguintes também fracassam. Essa sucessão de insucessos faz
com que Porter se auto-exile em Paris, vendendo músicas e sendo
sustentado, em parte por seu avô, em parte por sua mãe.

Porter trabalhava como compositor quando os Estados Unidos entraram na
Primeira Guerra Mundial em 1917. Ele viajou por toda a Europa ,
relacionando-se com alguns dos mais conhecidos intelectuais e artistas
da época e tornando-se um dos membros da chamada "Geração Perdida".

Em 1918, Porter conhece Linda Lee Thomas , uma rica divorciada de
Louisville, Kentucky , oito anos mais velha que ele, com quem se casa no
ano seguinte.

Diferente de alguns de seus contemporâneos, como George Gershwin e
Irving Berlin , Porter não fez sucesso imediato na Broadway. No entanto,
nascido e casado na riqueza, ele não sofreu com falta de dinheiro e
estabeleceu-se fora de sua terra, os Estados Unidos , durante
praticamente todos os anos 1920, vivendo uma vida de luxo na Europa .
Apesar disso, Porter não ficou ocioso e continuou a escrever. Muitas
dessas canções tornaram-se sucessos depois.

Porter reintroduziu-se na Broadway com o musical "Paris" (1928), onde
aparece um dos seus grandes sucessos, "Let's Do It (Let's Fall in
Love)". O próximo show, "Fifty Million Frenchmen" (1929), incluia vários
números populares, dos quais faziam parte "You Do Something to Me" e
"You've Got That Thing". Finalizando a década, estreou em 30 de dezembro
de 1929 "Wake Up and Dream", com uma partitura que incluia a música
"What Is This Thing Called Love?"

Começam os anos 1930 com a revista "The New Yorkers" (1930), incluindo a
canção "Love For Sale". A letra desta música foi considerada forte
demais para as rádios, mas tornou-se um padrão posteriormente. A seguir,
veio o último show teatral de Fred Astaire, Gay Divorce (1932). Nele
aparece aquele que talvez seja o maior sucesso de Cole Porter, "Night
and Day".

Em 1934, Porter escreve aquele que, para muitos, é seu melhor trabalho
no período, "Anything Goes" (1934). Suas canções incluem "I Get a Kick
out of You", "All Through the Night", "You're the Top", "Blow, Gabriel,
Blow" e a canção-título. Durante anos, os críticos comparam muitos de
seus shows - desfavoravelmente - a este. "Anything Goes" marca também a
estréia da cantora Ethel Merman em shows de Porter, estrela em cinco de
seus musicais.

"Jubilee" (1935), escrita com Moss Hart durante um cruzeiro pelo mundo,
não foi um grande sucesso, mas lançou duas músicas que hoje fazem parte
do cancioneiro americano — "Begin the Beguine" e "Just One of Those
Things". "Red Hot And Blue" (1936), estrelado por Merman, Jimmy Durante
e Bob Hope, introduziu "It's De-Lovely", "Down in the Depths (on the
Ninetieth Floor)", e "Ridin' High".

Porter também escreveu para Hollywood, incluindo a partitura para Born
To Dance (1936), lançando "Easy to Love" e "I've Got You Under My Skin",
e Rosalie (1937), lançando "In the Still of the Night". Além disso,
compôs a música de "cowboy" "Don't Fence Me In", para um filme de 1930
nunca produzido, que só obteve sucesso quando Roy Rogers e Bing Crosby &
The Andrews Sisters a lançaram, nos anos 1940.

Porter continuava a viver a vida em grande estilo, em grandes festas,
com grandes e famosos amigos. Na verdade, algumas de suas letras
mencionam seus amigos da época.

Então, em 1937, um acidente a cavalo quebrou suas duas pernas e deixou-o
com dores crônicas, severamente incapacitado. Os médicos aconselharam sua
esposa e sua mãe a amputar sua perna direita e, eventualmente, a
esquerda, mas elas não concordaram. Porter submeteu-se a mais de 30
cirurgias nas pernas e sofreu dores constantes pelo resto da vida.
Durante esse período, o número de operações levaram-no a grave
depressão. Foi uma das primeiras pessoas a experimentar a terapia de
eletrochoque .

Apesar da dor, Porter continuou a escrever musicais de sucesso. "Leave
It to Me!" (1938) (apresentando Mary Martin cantando "My Heart Belongs
to Daddy"), "DuBarry Was a Lady" (1939), "Panama Hattie" (1940), "Let's
Face It!" (1941), "Something for the Boys" (1943) e "Mexican Hayride"
(1944) foram todos sucesso. Esses shows incluíam canções como "Get Out
of Town", "Friendship", "Make It Another Old-Fashioned Please", e "I
Love You". No entanto, para muitos críticos, suas músicas estavam se
tornando menos mágicas e após dois fracassos, "Seven Lively Arts" (1944)
(que incluia o sucesso "Ev'ry Time We Say Goodbye") e "Around The World"
(1946), muitos consideraram que seu melhor período havia terminado.

Em 1948, Porter faz seu grande retorno ao sucesso, escrevendo aquele
que, para muitos, foi seu show de maior sucesso, "Kiss Me, Kate". A
produção ganhou um Tony Award de Melhor Musical e Porter o prêmio de
Melhor Compositor e Letrista. O repertório — geralmente considerado o
seu melhor — incluía "Another Op'nin' Another Show", "Wunderbar", "So
In Love", "We Open in Venice", "Tom, Dick or Harry", "I've Come to Wive
It Wealthily in Padua", "Too Darn Hot", "Always True to You in My
Fashion", and "Brush Up Your Shakespeare". Porter voltava ao topo.

Apesar do próximo show — Out Of This World (1950) — não ter sido um
grande sucesso, o show seguinte, "Can-Can" (1952), apresentando "C'est
Magnifique" e "It's All Right with Me", foi um grande hit. Sua última
produção para a Broadway, "Silk Stockings" (1955), lançando "All of
You", foi também bem sucedida.

Após seu acidente, Porter continuou também a trabalhar para Hollywood,
escrevendo as partituras para dois filmes de Fred Astaire , " Broadway
Melody of 1940 " (1940) com Eleanor Powell , incluíndo as músicas "I
Concentrate on You", e "You'll Never Get Rich" (1941). Mais tarde compos
as músicas para o filme " O Pirata " (1948), com Gene Kelly / Judy
Garland . O filme deu prejuízo, apesar de apresentar a música "Be a
Clown" (cujos "ecos" curiosamente se fazem presentes na música "Make 'Em
Laugh", apresentada por Donald O'Connor no musical "Cantando na Chuva" (
Singin' in the Rain ) de 1952). "Alta Sociedade" ( High Society )
(1956), estrelado por Bing Crosby , Frank Sinatra e Grace Kelly , trás o
último sucesso de Cole Porter, "True Love". Escreveu também canções para
o musical "Les Girls" (1957) com Gene Kelly. Sua última partitura foi
para um especial de TV da CBS, Aladdin (1958).

Após uma série de úlceras e 34 operações, sua perna direita teve de ser
amputada e substituida por uma prótese mecânica em 1958. A amputação
sucedeu-se à morte de sua mãe em 1952 e ao fim da batalha de sua esposa
contra um efisema em 1954. A sucessão de reveses combinados
mostraram-se fortes demais para Porter. Ele não escreveu mais nenhuma
canção após 1958 e passou seus últimos anos em relativa reclusão.

Cole Porter morreu de falência renal aos 73 anos em Santa Monica ,
California e foi enterrado no Mount Hope Cemetery em sua cidade natal,
entre os túmulos de sua mãe e sua esposa.

Os shows relacionados são musicais de teatro, fora os mencionados como
de outras fontes. (No caso da peça teatral ter-se transformado em filme
posteriormente, o ano de referência é o da versão teatral.)
* (1916) See America First
* (1919) Hitchy Koo Of 1919 — "An Old Fashioned Garden"
* (1928) Paris — " Let's Do It, Let's Fall in Love "
* (1929) Wake Up And Dream — " What Is This Thing Called Love? "
* (1929) Fifty Million Frenchmen — " You Do Something to Me "
* (1930) The New Yorkers — " Love for Sale ", "I Happen to Like
New York"
* (1932) Gay Divorce — " After You, Who? ", " Night And Day "
(base para o filme The Gay Divorcee de 1934)
* (1933) Nymph Errant — "Experiment", "The Physician", "It's Bad
for Me"
* (1934) Anything Goes — " All Through the Night ", " Anything
Goes ", "Blow Gabriel, Blow", " I Get a Kick Out of You ", " You're the
Top "
* (1934) Adios Argentina (não-produzida) — " Don't Fence Me In "
* (1935) Jubilee — " Begin the Beguine ", " Just One of Those
Things "
* (1936) Red, Hot and Blue — " It's De-Lovely "
* (1936) Born to Dance (filme) — " Down in the Depths (on the
Ninetieth Floor) ", " You'd Be So Easy to Love ", " I've Got You Under
My Skin "
* (1937) Rosalie (filme) — " In the Still of the Night "
* (1937) You Never Know — " At Long Last Love ", "From Alpha to
Omega", " Let's Misbehave "
* (1938) Leave It to Me! — "From Now On", " My Heart Belongs to
Daddy "
* (1939) Broadway Melody Of 1940 — "Between You And Me", " I
Concentrate on You ", " I've Got My Eyes on You ", "I Happen to Be in
Love", " Begin the Beguine "
* (1939) Dubarry Was A Lady — " Do I Love You? ", " Well, Did You
Evah! ", " Friendship "
* (1940) Panama Hattie — "Let's Be Buddies", "Make It Another
Old-Fashioned, Please"
* (1941) You'll Never Get Rich (filme) — " Dream Dancing ", " So
Near and Yet So Far "
* (1941) Let's Face It — " Everything I Love ", "I Hate You,
Darling"
* (1942) Something for the Boys — "Could It Be You"
* (1942) Something To Shout About — " You'd Be So Nice to Come
Home To "
* (1943) Mexican Hayride — " I Love You "
* (1944) Seven Lively Arts — " Every Time We Say Goodbye "
* (1946) Around the World in Eighty Days — "Look What I Found"
* (1947) The Pirate — " Be a Clown "
* (1948) Kiss Me, Kate — "Another Op'nin', Another Show", "Brush
Up Your Shakespeare", "I Hate Men", " So in Love ", " Too Darn Hot "
* (1950) Out Of This World — " From This Moment On ", "I Am Loved"
* (1953) Can-Can — " I Am in Love ", " I Love Paris ", " C'est
Magnifique "
* (1954) Silk Stockings — " All of You ", "Paris Loves Lovers"
* (1955) High Society — " Mind if I Make Love to You? ", " True
Love ", " Who Wants to Be a Millionaire? ", " You're Sensational "
* (1956) Les Girls — " Ca, C'est L'amour ", "You're Just Too, Too"
* (1958) Aladdin (televisão) — "Opportunity Knocks But Once"

Faça o download de seu songbook no link a seguir:
[Cole Porter - The Songbook Of Jazz - Piano]

The Godfather of Soul

James Joseph Brown (originalmente James Joseph Brown Jr. ), ou
simplesmente James Brown ( Barnwell , 3 de Maio de 1933 — Atlanta , 25
de Dezembro de 2006 ) músico, cantor , compositor e produtor musical
norte-americano reconhecido como uma das figuras mais influentes do
século XX na música.

Como um prolífico cantor, compositor, dançarino e bandleader , Brown foi
uma força fundamental na indústria da música. Deixou sua marca em
diversos artistas ao redor do mundo, influenciando até mesmo os ritmos
da música popular africana , como o afrobeat , juju e mbalax , e
forneceu o modelo para todo um subgênero do funk , o go-go .

Brown começou sua carreira profissional em 1956 e fez fama no fim da
década de 1950 e começo da década de 1960 com a força de suas
apresentações ao vivo e várias canções de sucesso.

Brown foi conhecido por inúmeros apelidos , incluindo Soul Brother
Number One , Sex Machine , Mr. Dynamite , The Hardest Working Man in
Show Business , The King of Funk , Minister of The New New Super Heavy
Funk , Mr. Please Please Please Please Her , I Feel Good , The Original
Disco Man e principalmente The Godfather of Soul ("O Padrinho do
Soul"). No livro "Sweet Soul Music" de Arthur Conley , ele é descrito
como King of Soul ("Rei do Soul").


James Brown, cujos pais eram Susie Behlings e Joseph ("Joe") James
Gardner (que mudou seu nome para Brown pois Mattie Brown o criou) na
pequena cidade de Elko (Carolina do Sul) durante a Grande Depressão .
Brown, que teria o nome do pai, acrecido de "Jr.", foi incorretamente
registrado como James Joseph Brown, Jr. Quando criança, Brown era
chamado de Junior . Quando mais tarde foi viver com a tia e um primo,
ele passou a ser chamado de Little Junior pois seu primo também era
chamado de Junior .

Brown e sua família viviam em extrema pobreza. Quando Brown tinha
dois anos de idade, seus pais se separaram depois que sua mãe deixou seu
pai para ficar com outro homem. Depois que a mãe abandonou a família,
Brown continuou a viver com seu pai até a idade de seis anos. Depois
desse período, Brown e seu pai se mudaram para Augusta (Geórgia) .


O pai entregou Brown para uma tia, que administrava uma casa de
prostituição . Embora Brown vivesse com parentes, passou longos períodos
a própria sorte, perambulando pelas ruas.


Durante sua infância, Brown ganhava dinheiro engraxando sapatos,
vendendo e trocando selos, lavando carros e louças além de cantar em
concursos de talentos. Brown também fez shows para as tropas de Camp
Gordon no começo da Segunda Guerra Mundial pois os comboios viajavam por
uma ponte próxima à casa de sua tia. E assim, ganhando dinheiro nestas
aventuras, Brown aprendeu a tocar gaita dada ele por seu pai. Tampa Red
, famoso músico americano e que estava namorando uma das meninas da casa
de sua tia, ensinou Brown a tocar guitarra; além disso, aprendeu com
outros músicos a tocar piano e bateria. Brown quis se tornar artista
após assistir Louis Jordan , um popular músico de jazz e R&B .


Brown começou a praticar crimes em Augusta e na idade de 16 anos foi
condenado por assalto a mão armada e enviado para um centro de detenção
juvenil em Toccoa em 1949 .

Enquanto estava na escola reformatória, conheceu Bobby Byrd , que viu
Brown se apresentar na prisão. A família de Byrd ajudou em sua soltura
antecipada após cumprir três anos de sua sentença. As autoridades
concordaram em soltar Brown com a condição que ele conseguiria um
emprego e não retornaria a Augusta ou Richmond County. Após tentar o
boxe e ser arremessador em um time semi-profissional de beisebol
(uma carreira interrompida por uma lesão na perna), Brown focou toda sua
energia na música, "a música me salvou".


A carreira de Brown atravessou décadas e influenciou profundamente o
desenvolvimento de diferentes gêneros musicais. Brown se apresentou
em concertos, primeiro na região Sul dos EUA, depois por toda a América
e então pelo mundo todo, além de se apresentar em shows de televisão e
filmes. Embora tenha contribuído com o mundo musical por seus vários
sucessos, Brown tem o título de artista que mais colocou singles nas
paradas da Billboard Hot 100 sem nunca atingir o número um desta parada.


Em 1955 , Brown e a irmã de Bobby Byrd , Sarah se apresentaram em um
grupo chamado "The Gospel Starlighters". Eventualmente Brown se juntava
ao grupo vocal de Bobby Byrd, the Avons, e Byrd transformou o som do
grupo em secular rhythm and blues . Após o nome do grupo ter sido mudado
para The Flames, Brown e o grupo de Byrd foram para o Sul, o chamado "
chitlin' circuit ". O grupo então assinou um contrato com o selo Federal
Records de Cincinnati ; selo do mesmo grupo da King Records .

A primeira gravação do grupo foi o single " Please, Please, Please " em
1956. O single atingiu o número 5 da parada R&B, vendendo mais de um
milhão de cópias. Nove subsequentes singles lançados pelos The Flames
falharam em atingir o mesmo sucesso do single de estreia, e o grupo
passou a sofrer o risco de sair da King Records.

As primeiras gravações de Brown foram composições inspiradas no
gospel-R&B, altamente influenciadas pelo trabalho de músicos como Ray
Charles e Little Richard . A relação com Little Richard foi
particularmente significante no desenvolvimento como músico e showman .
Quando Richard deixou a música pop em 1957 para se tornar pregador,
Brown substituiu Richard nas datas restantes. Vários músicos que
acompanhavam Little Richard se juntaram ao grupo de Brown depois que
Richard deixou a cena.

Brown atribuia a criação do funk aos Upsetters.


Brown retornou as paradas em 1958 com o sucesso " Try Me ". Este single
foi o mais vendido entre os discos de R&B do ano, e se tornaria o
primeiro de 17 canções que atingiriam o topo da parada R&B pelas
próximas duas décadas. No lançamento de "Try Me" em disco, o nome
do grupo passou a ser James Brown and The Famous Flames .

Em 1959, Brown e os Famous Flames se mudaram da Federal Records para a
King Records. Brown começou a ter recorrentes conflitos com o presidente
da King Records Syd Nathan , a respeito de repertório e outras questões.
Em um notável acontecimento, Brown gravou o sucesso de 1960 " (Do the)
Mashed Potatoes " na gravadora Dade Records , de propriedade de Henry
Stone , sobre o pseudônimo de "Nat Kendrick & The Swans" porque Nathan
se recusou a permitir que fosse gravado na King.


Brown entrou nas paradas no começo dos anos 60 com sucessos como a cover
" Night Train " em 1962. Enquanto os singles de Brown eram grandes hits
no chamado chitlin' circuit , no Sul dos EUA e na parada R&B Top Ten,
ele os Famous Flames não tinham sucesso nacionalmente até a apresentação
ao vivo gravada no LP de 1963 Live at the Apollo . Brown financiou por
si próprio a gravação do álbum, que foi lançado pela King Records com
objeções do dono da gravadora Syd Nathan, que não viu potencial
comercial em um álbum ao vivo sem nenhuma canção nova. Apesar das
expectativas de Nathan, o álbum ficou nas paradas pop por quatorze
meses. Em 1963 Brown lançou uma versão da balada "
Prisoner of Love " (seu primeiro sucesso a atingir o Top 20) e fundou
(sob bons olhos da King Records) a incipiente Try Me Records , primeira
tentativa de Brown em gerenciar uma gravadora.


Após o sucesso Live at the Apollo Brown lançou uma série de singles que,
juntamente com o trabalho de Allen Toussaint em Nova Orleães , definiram
a fundação da música funk . Com o sucesso de Live at the Apollo e o
fracasso da King Records em expandir suas vendas diante do consumidor
negro, James Brown e o amigo Bobby Byrd formaram uma companhia de
produção, Fair Deal, para promover os discos de Brown perante as
plateias "brancas". Neste arranjo a Smash Records , uma subsidiária da
Mercury Records foi usada como veículo para distribuir a música de
Brown. A Smash lançou em 1964 " Out of Sight ", que atingiu o número 24
nas paradas pop e apontou o caminho para o funk que viria a seguir.
Este disco disparou uma batalha legal entre a Smash e a King.

Durante a metade dos anos 60, duas canções de Brown " Papa's Got a Brand
New Bag " e " I Got You (I Feel Good) ", ambas de 1965 , foram sucessos
tantos nas paradas pop como nas paradas R&B, sendo os singles mais
vendidos por mais de um mês. Em 1966 , "Papa's Got a Brand New Bag"
venceu o Grammy na categoria "Melhor Gravação de Rhythm & Blues". Brown
continuou ganhando fama com aparições em filmes como Ski Party e The
T.A.M.I. Show , no qual ele e os Famous Flames (Bobby Byrd, Bobby
Bennett e "Baby Lloyd" Stallworth) subiam ao palco com os The Rolling
Stones .

Enquanto a década de 60 chegava ao fim, Brown continuava a refinar o
novo idioma do funk. A canção de 1967 (que atingiu o número 1 na parada
R&B), " Cold Sweat ", algumas vezes citadas como a primeira canção funk,
foi a primeira a conter um solo de bateria conhecido como "drum break".
Os arranjos instrumentais de faixas como " Give It Up Or Turnit A Loose
" e " Licking Stick-Licking Stick " (ambas gravadas em 1968 ) e " Funky
Drummer " (gravada em 1969 ) apresentava uma versão mais desenvolvida do
estilo que Brown apresentava até a primeira metade dos anos 60, com a
sessão de sopro , guitarras , baixo e bateria misturados em intricados
padrões e múltiplos riffs .

As mudanças no estilo de Brown que começaram com "Cold Sweat" também
estabeleceram os fundamentos de outros sucessos de Brown, como " I Got
the Feelin' " (1968) e " Mother Popcorn " (1969). Nesta época os vocais
de BRown frequentemente tomavam a forma de um tipo de declamação
rítmica, nem totalmente cantada nem totalmente falada. Isto se tornaria
uma grande influência nas técnicas de fazer rap das décadas vindouras.

As gravações de Brown influenciaram artistas em toda a indústria
musical, mais notadamente Sly Stone e sua Sly & the Family Stone ,
Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Band , Booker T. & the
M.G.'s e cantores de soul como Edwin Starr , The Temptations , David
Ruffin e Dennis Edwards . O então pubescente Michael Jackson levou os
gritos e dança de James para o mainstream como líder dos The Jackson 5
da gravadora Motown . Estas mesmas faixas foram mais tarde ressucitadas
por incontáveis músicos de hip-hop à partir dos anos 80. Como resultado,
James Brown permanece até os dias de hoje como o artista mais sampleado
da história com "Funky Drummer" sendo a peça musical mais sampleada
de todos os tempos.

Durante este período, o império musical de Brown cresceu e expandiu sua
influência na cena musical. Enquanto o império de Brown crescia seu
desejo por independência financeira e musical também cresciam. Brown
comprou estações de rádio no final dos anos 60, inluindo a WRDW emn
Augusta, Georgia onde ele engraxava sapatos quando criança.


Por volta de 1970, a maioria dos membros da banda de James em sua
formação clássica tinha deixado a banda em busca de outras
oportunidades, o grupo The Famous Flames também tinha acabado, com
apenas o membro original Bobby Byrd permanecendo com Brown. Brown e Byrd
contrataram uma nova banda que incluía futuros astros do funk, como o
baixista Bootsy Collins , o irmão de Collins, o guitarrista Phelps
"Catfish" Collins e o trombonista e diretor musical Fred Wesley . Esta
nova banda foi chamada de " The J.B.'s " e fez sua estréia no single de
1970 " Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine ". Embora os The J.B.'s
tenham passado por diversas mudanças, com a primeira ocorrendo em 1971,
foi a banda mais conhecida de James.


Em 1971, Brown começou a gravar pela Polydor Records que passara também
a distribuir os discos do catálogo da King Records. Muitos amigos e
músicos de apoio, como Fred Wesley & The J.B.'s, Bobby Byrd , Lyn
Collins , Vicki Anderson e Hank Ballard , lançaram discos pela People
Records , um selo fundado por Brown e que foi comprado pela Polydor como
parte do novo contrato de James. A maioria das gravações feitas na
People tinha a produção do próprio James Brown.

As gravações de Brown pela Polydor durante os anos 70 exemplificam as
inovações de James nos 20 anos precedentes. Composições como " The
Payback " (1973), " Papa Don't Take No Mess ", "Stoned to the Bone" e "
Funky President (People It's Bad) " (1974) e " Get Up Offa That Thing "
(1976) estão entre as mais notáveis gravações durante este período.


Pela metade dos anos 70, o status de estrela de Brown estava em
decadência, e os músicos chaves de sua banda como Fred Wesley o deixaram
para se juntar ao Parliament-Funkadelic . O estilo disco pegou Brown de
"guarda baixa" e anulou o estilo de puro funk nas pistas de dança. Seus
álbuns de 1976 Get Up Offa That Thing e Bodyheat foram as primeiras
aproximações de Brown ao ritmo da disco e as habilidosas produções.
Enquanto os álbuns Mutha's Nature (1977) e Jam 1980s (1978) não geraram
nenhum sucesso nas paradas, o LP de 1979 The Original Disco Man (um
albúm de Disco Music ) fez da canção "It's Too Funky in Here", seu
último sucesso da década. Importante dizer que The Original Disco Man
foi o único álbum que não foi produzido pelo próprio Brown; neste caso
foi produzido por Brad Shapiro.

Brown experimentou um ressurgimento durante os anos 80, aparecendo em filmes
como The Blues Brothers , Doctor Detroit e Rocky IV , assim como uma
participação especial em Miami Vice no episódio "Missing Hours" (1988).
Também gravou Gravity , um álbum tanto quanto popular, lançado pela
Scotti Bros. , e o single de 1985 " Living in America ", que fazia parte
da trilha-sonora do filme Rocky IV . Em 1987 , Brown venceu o Grammy por
Melhor Vocal Masculino de R&B por "Living in America". Brown ainda
colaborou com o artista de hip-hop Afrika Bambaataa no single " Unity ".

Em 1988 , Brown trabalhou com o time de produtores do grupo Full Force
no álbum I'm Real , álbum este altamente influenciado pelo hip-hop, e
que conseguiu colocar o single "Static" em número 5 na parada R&B.
Enquanto isso o remix de "Give It Up Or Turnit A Loose", originalmente
gravado em 1969 e presente na compilação In the Jungle Groove se tornou
tão popular em pistas de hip-hop que um dos fundadores do hip-hop,
Kurtis Blow chamou a canção de "o hino nacional do hip-hop".


Depois de uma temporada na prisão no fim dos anos 80, Brown lançou o
álbum Love Overdue com um novo single "Move On". A Polydor também lançou
em 1991 um box com quatro CDs chamado Star Time . Quase todos os discos
de James foram relançados em CD, sempre com faixas adicionais e
comentários de especialistas.

As apresentações de James Brown eram famosas pela intensidade e duração.
Seu objetivo pessoal era "dar as pessoas mais do que elas vieram
buscar — fazê-las cansar, porque é para isso que elas vieram.'" O
repertório dos shows consistia em sua maioria de seus próprios sucessos
e canções mais recentes, com algumas covers. Brown dançava
vigorosamenteenquanto cantava, fazendo passos de dança, entre eles o
famoso Mashed Potato . Além disso, os músicos e cantores de apoio (The
Famous Flames) apresentavam danças coreografadas, e nas últimas
apresentações, a turnê incluía dançarinos. Brown exibia roupas
extravagantes e cabelos perfeitamente cortados que completavam o visual.

Durante o final dos anos 60 e começo dos anos 70, James Brown foi
reconhecido por seu trabalho social. Em 1966 , ele lançou o single
"Don't Be a Drop-Out" como uma lição para estudantes jovens que tinham a
intenção de desistir dos estudos. Mais tarde fez discursos para dezenas
de crianças lembrando a importância da educação na escola. Em 1967 ,
lnaçou um single patriótico, "America is My Home", que era um "rap"
sobre como ele via as pessoas, particularmente a comunidade
afro-americana, que estava negligenciando o país que poderia dar-lhes
oportunidades e explicando como em um momento ele estava engraxando
sapatos e à seguir, cumprimentando o Presidente dos EUA, como fez com o
Presidente Lyndon B. Johnson quando de seu encontro para a doação de
dinheiro para programas de prevenção de abandono escolar.

Um ano mais tarde, se apresentou em Boston um dia depois da morte de
Martin Luther King, Jr. . É dado crédito a James Brown por evitar uma
revolta naquela cidade devido a esta apresentação. A história é
documentada no filme "The Night James Brown Saved Boston".

Após isso, o Presidente Johnson solicitou a Brown para visitar
Washington, D.C. e cumprimentar moradores do centro da cidade se
apresentando em um concerto beneficente e expressando a noção de que a
violência "não era o caminho a seguir". Muitos da comunidade negra
sentiam que Brown se comunicava com eles mais do que qualquer outro
líder do país, um sentimento que foi fortalecido com o lançamento do
single, " Say It Loud - I'm Black and I'm Proud ".


Brown continuou a se apresentar em vários concertos beneficentes pelos
direitos civis, incluindo a organização PUSH de Jesse Jackson e o
partido dos Panteras Negras . Brown também continuou a lançar singles
com profundo conteúdo social: "I Don't Want Nobody To Give Me Nothing
(Open Up the Door, I'll Get It Myself)" (1969), "Get Up, Get Into It,
Get Involved" (1971), "Talking Loud and Saying Nothing" (1972), "King
Heroin" (1974), " Funky President (People It's Bad) " (1974) e "Reality"
(1975). Na semana anterior a sua morte, Brown levou presentes para
crianças em um orfanato de Atlanta.


Em 23 de Dezembro de 2006, James Brown, doente, apareceu no escritório
do seu dentista em Atlanta, Geórgia várias horas depois do horário
marcado para um implante dentário. Durante esta visita, o dentista de
Brown observou que ele parecia "muito mal… fraco e tonto". Ao invés de
fazer o implante, o dentista recomendou que Brown fosse ao médico
imediatamente.


Brown foi ao Hospital Crawford Long na Universidade de Emory em Atlanta
em 24 de Dezembro de 2006 para uma avaliação médica de suas condições, e
deu entrada neste hospital para observação e tratamento. De acordo
com Charles Bobbit , amigo e agente de longa data, Brown tinha estado
doente e com tosse desde seu retorno de uma viagem a Europa em
Novembro. Bobbit acrescentou que era característico de Brown nunca
contar ou reclamar a alguém sobre estar doente, inclusive durante shows.
Embora Brown tivesse cancelado shows em Waterbury ( Connecticut ) e
Englewood , Brown estava confiante que o médico iria dispensá-lo do
hospital a tempo de realizar shows na véspera do Ano Novo.

Para as celebrações de Ano Novo, Brown estava agendado para se
apresentar no Teatro Count Basie em Nova Jérsei e no B. B. King Blues
Club em Nova Iorque, além disso faria uma apresentação ao vivo na CNN no
programa especial de fim de Ano de Anderson Cooper . No entanto,
Brown permaneceu internado e seu estado de saúde piorou ao longo desse
dia.

Em 25 de Dezembro de 2006, Brown morreu aproximadamente a 1:45 da manhã
insuficiência cardíaca resultante de complicações da pneumonia , estando
ao seu lado, seu agente Frank Copsidas e seu amigo Charles Bobbit.
De acordo com Bobbit, Brown proferiu as palavras "Estou indo embora esta
noite".

Um anjo com sexo

Lily Laskine nasceu em 1893 de pais russos que haviam emigrado para Paris. Seu nascimento, vem depois de um irmão com três anos, contrariando seu pai médico, que queria outro menino. Na sua opinião, as meninas eram "sem valor". mais tarde na carreira Lily Laskine provou o quão errado ele estava.

"Meus pais foram maravilhosos". Seu pai era um fervoroso amante de música. Ela dizia que ele era obcecado por ela, em ficando em êxtase ao ouvir algumas peças. Sua mãe Dora, uma pianista admirável, era acima de tudo, uma mulher de caráter, com uma vontade forte. Ela deixou o piano para dedicar seu tempo para o que mais contava, em sua opinião: seus
filhos, especialmente Lily.

Lily foi introduzida pela primeira vez ao piano, mas não mostrou entusiasmo particular. Sua mãe sugeriu um outro instrumento, a harpa, durante uma festa de família. Lily pareceu encontrar seus mais profundos sentimentos nesta primeira experiência com a harpa. A mãe disse que "a harpa é a música dos anjos, e então ela tornou-se uma harpista. Lily tinha que praticar seu instrumento 6 horas por dia, embora seu único desejo fosse ir para a escola com outras crianças. Mas sua mãe incentivou, empurrou, estimulou-a. Sempre curiosa, ela fazia suas escalas e exercícios de preparação, enquanto secretamente lia livros de Victor Hugo, Dumas e Zola, que ficavam escondidos atrás da estante de música.

Eletrônica & Sentimento

Evángelos Odysséas Papathanassíu, mais conhecido como Vangelis, é um músico grego de renome internacional nos estilos neo classico , progressivo , música eletrônica e ambiente .

Nascido em Vólos, Grécia, a 29 de março de 1943, Vangelis começou a compor desde os quatro anos de idade, tornando-se um grande autodidata da música. O músico recusou as
tradicionais aulas de piano, e durante sua carreira não tinha muito
conhecimento para ler ou escrever partituras . Estudou música clássica,
pintura e direção na Academia de Artes em Atenas.

No início dos anos 60 formou um grupo pop, o Forminx (ou "Formynx"), que
se tornou muito popular na Grécia. Na época do Motim dos Estudantes em
1968 mudou-se para Paris e fundou a banda de rock progressivo
Aphrodite's Child com os integrantes Demis Roussos , vocalista, e Loukas
Sideras . São conhecidas na Europa , como também no Brasil, como canções
de sucesso: " Rain and Tears ", " It’s Five O’Clock " etc. O grupo
se desfez em 1972 , ainda que Roussos tenha feito diversas participações
nos trabalhos de Vangelis.

Vangelis iniciou sua carreira solo escrevendo temas para dois filmes do
cineasta francês Frederic Rossif em 1973 . Seu primeiro álbum solo
oficial saiu em 1974 , o Earth . Na mesma época, participou de ensaios
com outra banda de rock progressivo , Yes . Embora nunca tenha feito
parte da banda, tornou-se amigo do cantor Jon Anderson , com quem veio a
trabalhar em algumas ocasiões.

Quando se mudou para Londres , Vangelis firmou contrato com a RCA
Records , montou seu próprio estúdio, o ( Nemo Studios ), começando a
gravar uma série de álbuns respeitados de música eletrônica . Faixas do
aclamado álbum Heaven and Hell de 1975 foram mais tarde utilizadas como
tema da série Cosmos .

Nos anos 80 e 90 produziu diversos álbuns em parceria com Jon Anderson
Jon & Vangelis . Em 1982 Vangelis venceu na categoria do Oscar de Melhor
Trilha Sonora Original por Chariots of Fire . O tema ficou no topo da
lista da Billboard americana por uma semana.

Em 1983, Vangelis lançou "Antartica", uma banda sonora bastante
conhecida em Portugal pelo seu uso como fundo nas previsões
meteorológicas do Canal 1 na primeira metade dos anos 90

No ano em que começou seu trabalho com o diretor Ridley Scott , Vangelis
produziu o tema dos filmes Blade Runner e 1492 - A Conquista do Paraíso
. Alguns dos documentários submarinos de Jacques Cousteau também levam a
assinatura de Vangelis. Em 1992, a França o condecorou como Chevalier
Order of Arts and Letters .

Em 2001 lança Mythodea (mais orquestral que eletrônico) que foi escrita
em 1993 e depois foi usada com tema pela NASA nas missões a Marte . Em
2004 lançou um CD com a Trilha Sonora do filme Alexandre ( Alexander )
de Oliver Stone .

* Sex Power ( 1970 ) - tema
* Fais Que Ton Reve Soit Plus Long Que La Nuit ( 1972 )
* L'Apocalypse des animaux ( 1973 ) - tema
* La Fete Sauvage ( 1973 ) - tema
* Earth ( 1973 )
* [Cosmos] ( 1974 )
* Heaven and Hell ( 1975 )
* The Vangelis Radio Special ( 1976 )
* Albedo 0.39 ( 1976 )
* Ignacio ( 1977 )
* Spiral ( 1977 )
* Beaubourg ( 1978 )
* Hypothesis ( 1978 )
* The Best of Vangelis ( 1978 ) - coletânea
* Opera Sauvage ( 1979 ) - tema
* China ( 1979 )
* Odes ( 1979 ) - with Irene Papas
* See You Later ( 1980 )
* Short Stories ( 1980 ) - como Jon & Vangelis
* Chariots of Fire ( 1981 ) - tema
* The Friends of Mr. Cairo ( 1981 ) - as Jon & Vangelis
* To the Unknown Man ( 1982 ) - coletânea
* Private Collection ( 1983 ) - como Jon & Vangelis
* Antarctica ( 1983 ) - tema
* Soil Festivities ( 1984 )
* The Best of Jon & Vangelis ( 1984 ) - como Jon & Vangelis
* Magic Moments ( 1985 ) - coletânea
* Mask ( 1985 )
* Invisible Connections ( 1985 )
* Rhapsodies ( 1986 ) - com Irene Papas
* Direct ( 1988 )
* Themes ( 1989 ) - coletânea
* The City ( 1990 )
* Page of Life ( 1991 ) - como Jon & Vangelis
* 1492: Conquest of Paradise ( 1992 ) - tema
* Blade Runner ( 1994 ) - tema de 1982 do filme Blade Runner
* Chronicles ( 1994 ) - como Jon & Vangelis
* Foros Timis Ston Greco ( 1995 ) ( El Greco edição limitada)
* Voices ( 1995 )
* Oceanic ( 1996 )
* Portraits (So Long Ago, So Clear) ( 1996 ) - coletânea
* El Greco ( 1998 ) - edição comercial
* Mythodea ( 2001 )
* Reprise 1990–1999 ( 2000 ) - coletânea
* Odyssey: The Definitive Collection ( 2003 ) - coletânea
* Ithaca ( 2004 ) - Declamação de poema de Cavafy na voz de Sean
Connery - edição limitada
* Alexander - tema ( 2004 )

O Menestrel Latino

Expoente da música cubana surgida com a Revolução Cubana , Silvio
Rodriguez é um
dos cantores cubanos contemporâneos de maior relevo internacional,
criador juntamente com Pablo Milanés , Noel Nicola , Vicente Feliú e
outros músicos do movimento da Nova Trova Cubana. Considerado um poeta
lúcido e inteligente, capaz de sintetizar o intimismo e os temas
universais com a mobilização e a consciência social.

Silvio Rodríguez Domínguez, filho de Argelia e Dagoberto, nasceu a 29 de
Novembro de 1946 na vila de San Antonio de los Baños ( Cuba ). Aos cinco
anos, a família muda a residência para a capital, Havana . Lá recebe
gratuitamente, aos sete anos, aulas de piano, graças a Margarita Pérez
Picó. Com a idade de apenas dez anos, os pais divorciam-se e a mãe
leva-o com a irmã de volta à sua vila natal, até regressarem a Havana
em 1958 , um mês antes da Revolução triunfar. Em 1961 , Silvio participa das campanhas de alfabetização, e um ano
depois começa a trabalhar como desenhista de tiras (histórias em
quadrinhos) no semanário Mella, onde Lázaro Fundora põe nas mãos dele
pela primeira vez um violão. É também nessa altura que conhece Vicente
Feliú.

Em 1964 , incorpora-se à tropa, onde vai começar a tocar violão e compor
canções durante os tempos livres como meio de combater o aborrecimento.
Dessa época são conhecidas composições como "El Viento Eres Tú", "Y Nada
Más", "La Canción de la Trova" ou "Quédate". Forma ainda um dueto com
Luís López, que tocava guitarra eléctrica. Logo vai começar a escrever
artigos jornalísticos e poemas para diversas revistas. Em 1967 , Mario
Roemu, pai de uma amiga de Silvio, encoraja-o para se apresentar no
programa de televisão "Música y Estrellas", e faz-lhe alguns arranjos de
"Sueño del Colgado y la Tierra" e "Quédate", as canções que iria
interpretar. É nesses anos que começa a actuar de forma solo ou como artista
acompanhante de César Portillo de la Luz (autor do conhecido bolero
"Contigo en la Distancia"), e entra na Casa de las Américas, organização
cultural dirigida por Haydée Santamaría , onde encontrou com outros
cantores de intervenção como Pablo Milanés e Noel Nicola .
À morte de Che Guevara , Silvio compõe com sons roqueiros "La Era Está
Pariendo un Corazón" e "Fusil Contra Fusil", canções que em 1968 iria
incluir no seu disco colectivo "Hasta la Victoria Siempre". Também iria
começar nessa altura a aparecer como artista principal no programa de
televisão "Mientras tanto", que no fim-de-ano foi retirado da emissão
após ter Silvio elogiado os Beatles . No ano seguinte ( 1969 ), foi como
trabalhador no barco pesqueiro Playa Girón, navegando durante quase
cinco meses pelo Oceano Atlântico nas costas africanas (aportando nas
Canárias e Senegal ). Durante a viagem, compõe 72 canções,
muitas delas conhecidas, como "Ojalá", "Playa Girón", "Boga, Boga",
"Jerusalén Año Cero", "Cuando Digo Futuro" e "Al Final de Este Viaje en
la Vida", que muitos anos depois seriam editadas no livro de poesia
Canções do Mar.
No início dos anos setenta, junto a Pablo Milanés e outros que mais
tarde iriam fazer parte da Nova Trova, integra o Grupo de Experimentação
Sonora do ICAIC (GESI), que se encarregaria de gravar trilhas sonoras
para filmes e documentários cubanos diversos. Recebe uma completa
educação musical graças a vultos reconhecidos como o compositor e
guitarrista Leo Brower. O GESI investigaria e fusionaria elementos da
música tradicional cubana e brasileira(tropicália e bossa nova), o rock , o jazz , a música
clássica, a música electrónica, o happenin, o fenómeno beat, etc...
resultando em sons originais. Desta altura são algumas gravações como
"Fusil Contra fusil", "El Papalote", "Cuba Va" (um curioso rock cantado
junto a Pablo Milanés e Noel Nicola), "De la Ausencia y de Ti", "Velia",
"El Mayor", " Granma " (obra colectiva), "Oveja Negra", "Si Tengo un
Hermano", etc. Estas canções iriam ser editadas, anos mais tarde, em
discos como "Los Tres del Gesi", "Cuando Digo Futuro" ou "Memorias".
Em 72 , faz uma tourné pela Alemanha e Chile , onde partilha cenário
com Isabel Parra (filha de Violeta ) e Víctor Jara (que morreria
assassinado no ano seguinte após o golpe militar de Pinochet). Nesse ano
decorre em Havana o Encontro de Música Latino-americana. No final do
ano, a 1 de Dezembro, Silvio, Pablo e outros novos cantores cubanos, a
maior parte ligados ao GESI (Noel Nicola, Eduardo Ramos, Augusto Blanca,
Pedro Luís Ferrer, Santiago Feliú, Vicente Feliú, Sara González, Pancho
Amat - que anos depois faria parte do conjunto de Juan Perro, etc.),
unem-se para constituírem a Nueva Trova Cubana, dedicando-se a procurar
novos trovadores por toda a ilha.
Já em 74 , organiza-se na República Dominicana o Festival Internacional
de Cantores Sete Dias com o Povo, ao qual assistiu uma delegação cubana
composta por Silvio e Noel Nicola. Outros artistas participantes desse
evento seriam Mercedes Sosa , Los Guaraguao, Danny Rivera, Roberto
Darkin, Pi de la Serra, Guadalupe Trigo e Expresión Joven, entre outros.
Foi a primeira vez que Silvio cantou perante um estádio lotado.
No ano seguinte, grava o seu primeiro LP, Días y Flores , acompanhado
pelos músicos do GESI e da Orquestra EGREM. Na Espanha de Franco o disco
mudou o nome para "Te Doy una Canción", devido à proibição governativa
da canção que dava título ao disco e de "Santiago de Chile"). Especial
destaque para as canções "Pequeña Serenata Diurna", com ares de bossa
nova brasileira, "Yo Digo que las Estrellas" e a surrealista "Sueño con
Serpientes". O uruguaio Daniel Viglietti gravaria também um disco com o
GESI.
Em 1976 , Silvio alista-se como membro da "brigada artística" para ir
junto das brigadas internacionalistas cubanas para a guerra de Angola.
Após ter feito "Testamento" (depois gravado no disco Rabo de Nube ),
parte para esse país, onde compõe, entre outras, "Canción para Mi
soldado", "Pioneros" e "La Gaviota".
Ao regresso, faz uma tourné pela Espanha, onde gravaria acompanhado apenas
de seu violão o disco "Al Final de Este Viaje" , onde cantava algumas das
suas primeiras canções (algumas delas já gravadas com o GESI e editadas
em discos compilatórios), tais como "Ojalá", "La Era Está Pariendo un
Corazón", "Canción del Elegido" e "Óleo de Mujer con Sombrero".
O seu seguinte disco, em 1979 , também seria só com violão, embora já com uma técnica mais madura; intitulou-se Mujeres e
incluiu obras como "Adónde Van", o humorístico "Cierta Historia de Amor"
e "Qué Hago Ahora (¿Dónde Pongo lo Hallado?)".
No fim da década de setenta viaja pela primeira vez aos Estados Unidos ,
cantando junto a Pete Seeger, e a seguir à Dinamarca e Noruega . A
partir dessa altura, começaria a fazer tournés pela América Latina toda
e pela Península Ibérica. Em 1980 , gravou Rabo de Nube I (embora o
segundo volume jamais chegaria a ser gravado), onde combinava
elementos acústicos com teclados e sintetizadores. O disco incluía a
colaboração da irmã de Silvio, Anabel López, na canção "Te Amaré" e de
Yanela Lojos na harpa de "Rabo de Nube". O disco incorporava ainda
canções como "Vamos a Andar", "Fábula de los Tres Hermanos" e
"Testamento", que termina com uma curiosa côdea instrumental.
Em 1982 , gravou Unicornio, que incluía a canção homônima e que
posteriormente iria converter-se na mais famosa de Silvio.
O disco, com uma orquestração mais rica do que a anterior, incluía ainda
a "Canción urgente para Nicaragua ", uma homenagem à Revolução
Sandinista de 1979 , "Por Quien Merece Amor", uma crítica aos EUA e um
canto à solidariedade internacionalista cubana, "La Maza" (com ritmo de
chacarera argentina) e outros títulos de temática diversa. Na tourné
estaria acompanhado por Pablo Milanés e mais três músicos.
O concerto na Argentina , com a colaboração de músicos como León Gieco,
seria editado posteriormente em disco. Em 1983, colabora
no disco do espanhol Luis Eduardo Aute Entre Amigos . No ano seguinte,
grava o disco triplo "Tríptico Volume I", acompanhado de EGREM, antigos
músicos do GESI, e as cordas da Camerata Brindis de Salas, com
colaborações como Anabel López, Pablo Milanés, Pancho Amat ou o conjunto
Manguaré. Ainda em 83, participa com dois títulos no trabalho colectivo
já mítico gravado em Manágua em apoio da Revolução Sandinista : "Abril
en Managua . Concerto da paz na Centro-América"; um grande concerto em
que participam artistas do panorama revolucionário latino-americano como
Gabino Palomares e Amparo Ochoa ( México ), Ali Primera ( Venezuela ),
Mercedes Sosa (Argentina), Luís Enrique e Carlos Mejía Godoy & Los de
Palacagüina ( Nicarágua ), Chico Buarque e Raimundo Fagner ( Brasil ),
Daniel Viglietti ( Uruguai ), etc. Silvio cantou nessa tarde memorável
"El Dulce Abismo" e "Canción Urgente para Nicaragua ".
Em 1985, colabora no disco Querido Pablo , onde Pablo Milanés dá uma
vista de olhos às suas velhas músicas, com novos arranjos e colaborações
de velhos amigos, cantores e escritores. No mesmo ano, começa uma tourné
com o grupo Afrocuba, dirigido por Oriente López, e com mais de uma
dezena de músicos. Com eles, grava em 1986 em Madrid (Espanha) o disco
duplo "Causas y Azares", com canções como "Te Conozco", "Sueño de una
Noche de Verano" (rock), "Canción en Harapos" (crítica à hipocrisia e a
acomodação dos pequenos-burgueses), "Requiem" (triste canção de desamor) e a
energética "No Hacen Falta Alas".
Em 1988 , entre Londres e Havana, grava "Oh, Melancolía" , também disco
duplo, com títulos como a feminista "Eva", "Jerusalén Año Cero", leitura
revolucionária da figura de Jesus Cristo, "En el Jardín de la Noche"
(homenagem à Lua e às viagens espaciais) e "El Extraño Caso de las Damas
de África".
Já em 1990 , Silvio faz uma tourné com o mítico grupo cubano Irakere e
com o pianista Chucho Valdés . Após o fim da ditadura militar chilena,
viaja com o seu grupo a esse país e dá um concerto no Estádio Nacional
de Santiago , perante 80.000 pessoas. Desse concerto iria ser editado um
disco triplo (e CD duplo) em que aparecem títulos nunca antes gravados
em estúdio, como "Venga la Esperanza" ou "El Hombre Extraño", dedicada
ao cantor chileno Víctor Jara.

Em 1992 fez uma tourné com Diákara (músicos de Afrocuba e Irakere e
começa a gravar um disco que ainda não foi publicado. Nessa altura é que
principia a apoiar músicos da chamada Novíssima Trova Cubana, como
Carlos Varela, e colabora em discos de diversos artistas e grupos, tais
como Taller Canario.
Em 1992 é publicado o disco Silvio , primeiro de uma trilogia.Seguiram-se
Rodríguez ( 1994 ) e Domínguez ( 1996 ). Esses discos, com grande
sucesso entre o público, incluem temas como "Quién Fuera", "La Guitarra
del Joven Soldado" (a lembrar a sua juventude), o swing "La Desilusión",
"Escaramujo", que tem uma versão a cargo do grupo coral cubano Vocal
Sámpling), "Flores Nocturnas" (um canto às prostitutas), "Desnuda y con
Sombrilla", (um original tema erótico), "Ala de Colibrí", "Canción del
Trovador Errante" (totalmente falado sobre um fundo electrónico), "Me
Quieren" (tema engraçado dedicado aos seus "inimigos"), ou "Reino de
Todavía" (sobre a situação actual entre Cuba e os Estados Unidos). Esta
trilogia tem quase somente violão (com algumas pitadas de percussão manual e
"natural", além de ligeiros elementos electrónicos em Domínguez.
Já no fim da década, em 1999 , editou com o guitarrista Rey Guerra o
disco Mariposas , em que colaborou a companheira de Silvio, Niurka
González, que toca flauta em dois temas. Disco não tão bem sucedido como
os anteriores, incluiu temas como "Olivia", "Viñeta" e "Sin Hijo ni
Árbol ni Libro".

Após um período sem tournés, deu-se à tarefa de compor e arranjar o seu
próximo disco, desta vez orquestrado. Intitulado Expedición , foi
editado em 2002 , contando com a participação de membros da Orquestra
Nacional de Cuba, alguns dos músicos habituais na discografia de Silvio,
incluída a irmã Anabel López, Pancho Amat, Niurka González, Yanela
Lojos, etc, estudantes de música e membros do conjunto Diákara. Inclui
canções como "Tiempo de Ser Fantasma", "Sortilegio", "Fronteras" o
"Anoche Fue la Orquesta".
Cita con Ángeles , de 2003 , com canções compostas nessa altura, é um
disco de importante compromisso político, com denúncias contra o
imperialismo e a guerra contra o povo Iraquiano ("Sinuhé"), mensagens
contra Bush , Tony Blair e Aznar, e referências ao 11 de Setembro . O
disco foi dedicado à sua filha Malva e ao seu neto Diego, recém-nascidos
no momento em que o disco era gravado.
Em 2006 , publica "Érase que se Era" , compilação de canções de etapas muito recuadas na sua
carreira musical (entre 1968 e 1970 ).
Silvio e Pablo tornaram-se um pouco conhecidos no Brasil, graças a
gravações de Chico Buarque: "Pequeña Serenata Diurna"(1978), no
antológico disco das samambaias e depois "Yolanda" e "De Que Callada
Manera"(como se fosse a primavera).
Existem variações de sua discografia em função de diversas causas:
chancela discográfica, editoras, censura, etc, tendo sido alterados
alguns discos, títulos e capas. Contudo, podemos dizer que esta é
aproximadamente a discografia original:
* Días y flores ( 1975 )
* Al final de este viaje... 1968/1970 ( 1978 )
* Mujeres ( 1979 )
* Rabo de nube ( 1980 )
* Unicornio ( 1982 )
* Silvio Rodríguez y Pablo Milanés en vivo en Argentina ( 1984 )
* Tríptico (álbum) (triplo LP, 1984 )
* Causas y azares ( 1986 )
* Oh melancolía ( 1988 )
* Silvio Rodríguez en Chile ( 1990 )
* Silvio ( 1992 )
* Mano a mano (com Luis Eduardo Aute ) ( 1993 )
* Rodríguez ( 1994 )
* Domínguez ( 1996 )
* Descartes ( 1998 )
* Mariposas ( 1999 )
* Expedición ( 2002 )
* Cita con ángeles ( 2003 )
* Érase que se era ( 2006 )
* Segunda Cita(2010)

A Voz de Platina

Freddie Mercury nasceu em Zanzibar(atual Tanzânia), uma ilha próxima à costa leste da África, em 5 de setembro de 1946, tendo sido batizado como Farokh Bulsara. Seus pais, Jer e Bomi Bulsara, são provenientes da região de Gujarati, na Índia, descendentes dos persas que para lá imigraram há mais de mil anos fugindo de perseguições religiosas. Eles fazem parte de um grupo étnico conhecido como Parsis, seguidores do zoroastrismo. Bomi Bulsara era um funcionário do estado, trabalhando como caixa da suprema corte do governo britânico em Zanzibar, na época uma colônia da Grã-Bretanha.

Aos oito anos, Farok foi mandado para a St. Peter Boarding School, uma escola inglesa perto de Bombain, na Índia, onde começou a ser chamado Freddie pelos colegas. Foi lá também que formou sua primeira banda - The Hectics.

Durante os anos seguintes, Freddie voltava à sua ilha natal somente para as férias. Em 1963, no entanto, Zanzibar se tornou independente e em 1964 estava à beira de uma revolução liderada pelo partido africano. Muitos ingleses e indianos tiveram que abandonar a ilha por razões de segurança, entre eles a família Bulsara, que acabou se instalando em Feltham, Middlesex, um subúrbio de Londres. Freddie tinha então 17 anos.

Afeito aos esportes, tendo sido campeão de tênis de mesa aos dez anos de idade, mas principalmente apaixonado pelas artes, ele decidiu entrar para o Ealing College of Art em setembro de 1966, a fim de seguir um curso de ilustração gráfica. No Ealing, ele se tornou amigo de Tim Staffell, vocalista e baixista de uma banda chamada Smile, cujos demais componentes vinham a ser Brian May e Roger Taylor.

O contato com o Smile acendeu em Freddie a vontade de fazer parte de um grupo de rock. Ele passou por algumas bandas que tentavam encontrar espaço no cenário musical londrino: Ibex, Sour Milk Sea e Wreckage, mas quando Tim Staffell resolveu sair do Smile para formar um novo grupo, Freddie não pensou duas vezes para se unir a Brian e Roger. Um pouco antes do lançamento do primeiro disco do QUEEN, ele decidiu mudar seu sobrenome para Mercury.

Ainda em 1970, Freddie conheceu Mary Austin, gerente da butique Biba no bairro de Kensington. Os dois começaram a namorar no ano seguinte, numa relação que durou até quase o final da década de 70, quando Freddie assumiu sua bissexualidade. Apesar disso, Mary continuou sendo sua melhor amiga e pessoa de confiança.

Embora a maior parte de sua carreira se confunda com a do QUEEN, Freddie Mercury também lançou alguns trabalhos solo: os LPs Mr. Bad Guy (1985) e, com a diva Montserrat Caballé, Barcelona (1988), e participou do musical Time, de David Clark.

Aficcionado pelo balé, chegou a fazer uma apresentação beneficente, dançando Bohemian RHAPSODY com o Royal Ballet de Londres, em 1979. Tanto o balé como a ópera foram elementos fundamentais no desenvolvimento de sua performance, e a verdade é que Freddie nunca deixou de se aperfeiçoar. Diz o guitarrista Brian May que, mesmo quando Freddie já estava muito doente, "sua voz, miraculosamente, se tornava cada vez melhor".

Ao falecer, em 24 de novembro de 1991, devido a complicações pulmonares provenientes da Aids, o vocalista deixou sua mansão em Kensington e boa parte de sua fortuna para Mary Austin. Músicos e fãs de todas as partes do mundo prestavam suas homenagens pela morte do embaixador do rock, significando O FIM DE UMA ERA.

A casa de Freddie situa-se em 1Logan Place, em Kensington, Londres. Há um muro ao redor da propriedade, que agora pertence à Mary Austin. Portanto pode-se somente olhar o lado de fora da propriedade. O muro todo pintado e repleto de pixações de homenagens de fãs do mundo inteiro que aparece no vídeo "Champions Of The World" é da casa de Freddie.

O artista foi cremado logo após seu funeral, e não há túmulo ou qualquer outra lembrança para que os fãs possam visitar. Fred unia beleza e potência em sua voz, produzindo um espectro repleto de sentimentos em suas memoráveis interpretações. Sua canção preferida do Queen era "Somebody To Love" e o disco da banda o The Game"

Reconhecido, mas nem tanto

Alfredo José da Silva, o grande Johnny Alf, nasceu no Rio de Janeiro (RJ) em 19 de Maio de 1929. Seu pai, cabo do Exercito, morreu em 1932 e a mãe foi trabalhar na casa de uma família na Tijuca, que o criou e custeou seus estudos. Começou a aprender piano clássico aos nove anos, com Geni Borges, amiga da família, logo demonstrando interesse por compositores do cinema norte-americano, como George Gershwin e Cole Porter. Pelos 14 anos, formou um conjunto com amigos em Vila Isabel, indo tocar nos fins de semana na Praça Sete, do Andaraí. Cursou até o segundo ano do Colégio Pedro II, onde entrou em contato com o pessoal do Instituto Brasil-Estados Unidos, que o convidou para participar de um grupo artístico.

Por sugestão de uma amiga norte-americana, adotou o pseudônimo de Johnny Alf, quando de sua apresentação no programa de jazz de Paulo Santos, na Radio MEC Trabalhou no escritório de contabilidade da Estrada de Ferro Leopoldina, onde aproveitava os momentos livres no horário de serviço para escrever música. Com o grupo do Instituto Brasil-Estados Unidos fundou um clube para promoção e intercâmbio de musica brasileira e norte-americana, que realizava sessões semanais para analisar orquestrações, solos etc., alem de apresentar filmes, shows, concertos de jazz, entre outras atividades.

Quando Dick Farney, já profissional e recém-chegado dos EUA, ingressou no grupo em 1949, o clube passou a chamar-se Sinatra-Farney Fan Club, tendo entre seus sócios Tom Jobim, Nora Ney e Luís Bonfá, entre outros, ainda principiantes. Na época, tocava durante a noite no clube e pela manha assumia seu posto de cabo no Exercito. Através de Dick Farney e Nora Ney foi contratado em 1952 como pianista da recém-inaugurada Cantina do César, de propriedade do radialista e apresentador César de Alencar, dando inicio a sua carreira profissional. Ali a atriz Mary Gonçalves, que tinha sido Rainha do Radio em 1952 e ia lançar-se como cantora, escolheu três composições suas, Estamos sós, O que é amar e Escuta para incluir no seu LP Convite ao romance. Em seguida foi convidado para integrar como pianista o conjunto que o violonista Fafá Lemos formou para tocar na boate Monte Carlo. Nessa época, a convite do produtor Ramalho Neto, gravou na Sinter seu primeiro disco, um 78 rpm com musica instrumental (piano, contrabaixo e violão) de influencia jazzística, com Falsete, de sua autoria, e De cigarro em cigarro (de Luís Bonfá). Mais tarde, revezando-se com o pianista Newton Mendonça, tocou na boate Mandarim, indo depois para o Clube da Chave, boates Drink e Plaza. De seu repertório, duas composições começaram a se destacar, Céu e mar e Rapaz de bem, esta escrita por volta de 1953 e considerada, em termos melódicos e harmônicos, como musica revolucionaria e precursora da bossa nova. Em 1955 foi para São Paulo SP, onde tocou na boate Baiuca e no bar Michel, neste ultimo com os então iniciantes Paulinho Nogueira, Sabá e Luís Chaves. De passagem pelo Rio de Janeiro, no mesmo ano gravou na Copacabana o primeiro 78 rpm importante de sua carreira, com Rapaz de bem e O tempo e o vento, também de sua autoria. Seis anos depois gravou na RCA seu primeiro LP, Rapaz de bem, que incluía, entre outras, Ilusão à toa, que também se tornou um grande êxito. Ainda em 1961, recebeu convite do compositor Chico Feitosa para tocar no Carnegie Hall, em New York, EUA, mas não viajou, permanecendo em São Paulo. No ano seguinte, retornou ao Rio de Janeiro, tocando no Bottle’s Bar, na mesma época em que ali atuavam o Tamba Trio, Sérgio Mendes, Luís Carlos Vinhas e Silvia Teles. Formou também um conjunto com o baixista Tião Neto e o baterista Edison Machado, apresentando-se no Little Club e Top Club.

A partir de 1965 realizou varias apresentações no interior de São Paulo. Foi também professor de musica do Conservatório Meireles, de São Paulo. Em 1967 participou do III FMPB, da TV Record, de São Paulo, com a musica Eu e a brisa, interpretada pela cantora Márcia. A composição foi desclassificada nas eliminatórias, convertendo-se porém, um mês depois, num dos maiores sucessos de sua carreira. Em seus últimos anos de vida Johnny raramente se apresentava, em razão de problemas de saúde. Esteve apenas na abertura das exposições dedicadas aos 50 anos da bossa nova na Oca , em 2008, [2] e, em janeiro de 2009 , no Auditório do SESC Vila Mariana, em São Paulo. [3] [4] Na mostra sobre os 50 anos da bossa nova, Alf teve um encontro virtual com nomes como Tom Jobim , Frank Sinatra , Ella Fitzgerald e Stan Getz . O artista tocava piano com as projeções dos colegas, já mortos, para um filme que foi exibido ao longo do evento. Segundo o curador da mostra, Marcello Dantas, Johnny Alf foi "o caso clássico do artista que não teve o reconhecimento a altura de seu talento. Alf foi um gênio e teve participação na história da nossa música".

O compositor não tinha parentes. Vivia em um asilo em Santo André. Seu último show foi em agosto de 2009, no Teatro do Sesi , em São Paulo, ao lado da cantora Alaíde Costa. Faleceu aos 80 anos no hospital estadual Mário Covas, em Santo André (SP),em 4 de março de 2010. Segundo o jornalista Ruy Castro , Johnny Alf foi o "verdadeiro pai da Bossa Nova ". Tom Jobim, outro dos primeiros artistas da Bossa Nova, admirava Johnny Alf a ponto de apelidá-lo de "Genialf".

* 1952 - Johnny Alf
* 1952 - Convite ao Romance - Mary Gonçalves
* 1954 - Johnny Alf (78 rpm)
* 1955 - Johnny Alf (78 rpm)
* 1958 - Johnny Alf (78 rpm)
* 1961 - Rapaz de bem ( longplay )
* 1964 - Diagonal (Lp)
* 1965 - Johnny Alf - arranjos de José Briamonte
* 1968 - Johnny Alf e Sexteto Contraponto
* 1971 - Ele é Johnny Alf
* 1972 - Johnny Alf - compacto duplo
* 1974 - Nós
* 1978 - Desbunde total
* 1986 - Johnny Alf - Eu e a brisa
* 1988 - O que é amar
* 1990 - Olhos Negros - participação Gilberto Gil, Chico Buarque, Caetano Veloso, Roberto Menescal, Leny Andrade e outros.
* 1997 - Johnny Alf e Leandro Braga - Letra e música Noel Rosa
* 1998 - Cult Alf - Johnny Alf - gravado ao vivo
* 1999 - As sete palavras de Cristo na Cruz - Dom Pedro Casaldáliga
* 2001 - Johnny Alf - Eu e a Bossa - 40 anos de Bossa Nova
* 1975 - 100 anos de Música Popular Brasileira - Projeto Minerva - série de oito álbuns produzidos e apresentados por Ricardo Cravo Albin, gravados ao vivo na rádio MEC do Rio de Janeiro. Cantando ao lado de Alaíde Costa e Lúcio Alves.
* 1984 - Trilha sonora da telenovela Anjo Mau , da Rede Globo, com a música O que é amar.
* 1998 - O show Noel Rosa - Letra e música, lançando um compact disc com o mesmo nome, foi realizado no Sesc Pompéia, em São Paulo. Incluindo a canção Noel, Rosa do Samba, de Paulo César Pinheiro.
* 2004 - CD Dois Corações, da cantora mineira Fernanda Cunha. No Cd os "dois corações" são Johnny Alf e Sueli Costa, uma das mais importantes compositoras brasileiras, que também faz participação especial com piano e voz.

Vininha: O Poeta Camarada

Marcus Vinícius da Cruz de Melo Moraes nasceu no Rio de Janeiro RJ em 19 de Outubro de 1913. Filho de Clodoaldo Pereira da Silva Moraes, funcionário da prefeitura, poeta, violonista amador, e de Lídia Cruz de Moraes, pianista também amadora, nasceu no bairro da Gávea e em 1916 mudou-se com a família para a casa dos avós paternos, em Botafogo, onde estudou na Escola Primaria Afrânio Peixoto e escreveu seus primeiros versos. Em 1922, a família mudou- se para a Ilha do Governador, menos ele, que deveria concluir o primário e ficou com os avós. Nas férias e nos fins-de-semana, ia para a casa dos pais, onde toda noite havia musica, com a presença do tio Henrique de Melo Moraes e do compositor Bororó, entre outros.

Em 1924 entrou para o Colégio Santo Inácio, em Botafogo, onde cantava no coro da igreja e montava pecinhas de teatro. Em 1927, cursando o último ano ginasial tornou-se amigo dos irmãos Paulo e Haroldo Tapajós, e, juntos, formaram um conjunto que tocava em festinhas nas casas de amigos. Com Haroldo Tapajós, em 1928 compôs o fox-canção Loura ou morena, que seria gravado, em 1932, pelos dois irmãos. Concluído o curso ginasial, em 1929 a família retornou a Gávea e, nesse mesmo ano, ingressou na Faculdade de Direito do Catête, onde se tornou amigo do romancista Otávio Faria, que descobriu e incentivou sua vocação literária. Em sua fase inicial na musica popular, foi o letrista de dez musicas gravadas entre 1932 e 1933: sete em parceria com Haroldo Tapajós, duas com Paulo Tapajós e uma com o violonista J. Medina, esta gravada por Petra de Barros. As outras musicas foram gravadas pelos Irmãos Tapajós, mas só obtiveram sucesso com Loura ou morena (Columbia). Em 1933 terminou a faculdade e o C.P.O.R., e
publicou o primeiro livro – O caminho para a distância – pela Schmidt Editora, edição recolhida pelo autor. Nessa época, era amigo de Manuel Bandeira, Oswald de Andrade e Mário de Andrade. Em 1935, seu livro Forma e exegese recebeu o prêmio Filipe d’Oliveira. No ano seguinte, publicou em separata o poema Ariana, a mulher e, ainda em 1936, empregou-se como censor cinematográfico, representando o Ministério da Educação e Saúde. Dois anos depois, ganhou bolsa do Conselho Britânico para estudar língua e literatura inglesas na Universidade de Oxford, e nesse ano publicou os Novos poemas. Com o inicio da Segunda Guerra Mundial, retornou ao Rio de Janeiro.

Em 1941 empregou-se como critico cinematográfico no jornal A Manhã, colaborando também em seu Suplemento Literário e na revista Clima, dirigida pelo critico literário Antônio Cândido. Ainda em 1941, conseguiu cargo burocrático no Instituto dos Bancários e, aconselhado por Osvaldo Aranha, começou a se preparar para prestar exame no Itamaraty, sendo aprovado em 1943. Nesse ano publicou Cinco elegias, inaugurando nova fase em sua poesia. Continuou atuando como jornalista e critico de cinema em diversos jornais e, em 1946, após dois anos de estagio, assumiu seu primeiro posto diplomático, indo para Los Angeles, EUA, como vice-cônsul. Publica então o livro Poemas, sonetos e baladas e, no ano seguinte, com Alex Viany, lançou
a revista Filme. Morto o pai, retornou ao Brasil em 1950 e, um ano depois, começou a trabalhar no jornal Última Hora.

Em 1953 compôs o primeiro samba, Quando tu passas por mim (com Antônio Maria). Ainda nesse ano, seguiu para Paris, França, como segundo secretário da embaixada. Sua peça Orfeu da Conceição, premiada em 1954 no concurso de teatro do IV Centenário de São Paulo SP, foi publicada nesse ano na revista Anhembi. Em 1955 publicou a Antologia poética e, com Cláudio Santoro, compôs algumas canções de câmara. No Brasil em 1956, resolveu montar Orfeu da Conceição, paralelamente a filmagem da peça, que o francês Marcel Camus dirigia. O cenarista da peça foi Oscar Niemeyer e a música ficou a cargo de um jovem pianista – Tom Jobim – quase desconhecido na época. A peça estreou no dia 25 de setembro, no Teatro Municipal, do Rio de Janeiro. Pôs letra nas músicas de Tom Jobim Lamento do morro, Se todos fossem iguais a você, Um nome de mulher, Mulher, sempre mulher, Eu e o meu amor etc., lançadas logo em seguida em disco de dez polegadas, pela Odeon, com o cantor Roberto Paiva, o violonista Luís Bonfá e orquestra. No fim de 1956, retornou a Paris e, em 1957, lançou o Livro de sonetos. No mesmo ano foi transferido para Montevidéu, Uruguai, onde ficou até 1960.

Em 1958 Elizeth Cardoso lançou, pela marca Festa, o LP Canções do amor demais , em que estavam incluídas composições suas em parceria com Tom Jobim: Luciana, Estrada branca, Canção do amor demais, Chega de saudade e Outra vez, sendo que, nas duas últimas, João Gilberto apresentava a batida de violão que caracterizaria o movimento musical da bossa nova. No ano seguinte, Lenita Bruno lançou o LP Por toda a minha vida, também com músicas dos dois parceiros. Ainda em 1959, o filme Orfeu do Carnaval, baseado em Orfeu da Conceição, que incluía a composição A felicidade (com Tom Jobim), ganhou a palma de ouro no Festival de Cannes, França, e o Oscar de Hollywood, EUA, como melhor filme estrangeiro. Desse período são também Eu sei que vou te amar e Amor em paz (ambas com Tom Jobim). Em 27 de abril de 1961, inaugurando o Teatro Santa Rosa, no Rio de Janeiro, foram levadas três peças de mesmo titulo – uma de sua autoria e as outras, de Pedro Bloch e Gláucio Gil, mais tarde publicadas em livro por Massao Ohno (São Paulo). Outro importante parceiro foi Carlos Lyra, que conheceu em l961, ano em que fizeram juntos os sambas-canções Você e eu, Coisa mais linda, Primeira namorada e Nada como ter amor, entre outras, Em 1962, em parceria com Pixinguinha, fez a trilha sonora do filme Sol sobre a lama, de Alex Viany, lançado no ano seguinte. Também para esse filme, colocou letra em Lamento, antigo choro do novo parceiro. Publicou livro de crônicas e poemas, Para viver um grande amor e, ainda em 1962, conheceu Baden Powell, em show da boate Arpège. Juntos compuseram grandes sucessos, como Samba da bênção, Só por amor, Canção de amor e paz, Pra que chorar, Deixa, Tem dó, Tempo feliz, Formosa, Apelo, Samba em prelúdio, Consolação e Berimbau. Interessaram-se também por musica de candomblé e, com a viagem de Baden à Bahia, fizeram uma serie de afro-sambas, entre os quais Canto de Ossanha, Canto de Xangô, Bocoxé e Samba de Oxóssi. Compôs ainda com Carlos Lyra A Marcha da Quarta-feira de Cinzas e as músicas para sua peça Pobre menina rica, entre as quais Minha namorada.

Em agosto de 1962, ao lado de João Gilberto, Tom Jobim e de Os Cariocas, tomou parte em Encontro, na boate Au Bon Gourmet, show com produção de Aluísio de Oliveira, no qual foram lançados os êxitos Garota de Ipanema, Só danço samba, Insensatez, Ela é carioca e Samba do avião (todos com Tom Jobim), e Samba da bênção. Na mesma boate foi apresentada a peça Pobre menina rica (com Carlos Lyra), que lançou Nara Leão e as canções Sabe você, A primavera e Pau-de-arara. Em 1963, novo parceiro: com Edu Lobo comporia, entre outras, Arrastão, Zambi e Canção do amanhecer. Designado para trabalhar na delegação do Brasil junto à UNESCO, em Paris, foi para a Europa, de onde voltou em 1964. Fez então parceria com Francis Hime, produzindo Eu te amo, amor, Saudade de amar e Sem mais adeus. Com Dorival Caymmi, fez show na boate Zum-Zum, gravado em LP da Elenco, que foi um grande sucesso e lançou o
Quarteto em Cy. No I FMPB, da TV Excelsior, de São Paulo, em 1965, Arrastão obteve o primeiro lugar, interpretada por Elis Regina, e Valsa do amor que não vem (com Baden Powell) ficou em segundo, defendida por Elizeth Cardoso. Trabalhou com o diretor Leon Hirszman no roteiro do filme Garota de Ipanema, e, com Dorival Caymmi, voltou a fazer o show na boate Zum-Zum. Participou, em 1966, do show Pois é (direção de Francis Hime), no Teatro Opinião, no Rio de Janeiro, aolado de Maria Bethânia e Gilberto Gil, quando foram lançadas para o público carioca as musicas do compositor baiano. Convidado para participar do júri do Festival de Cannes (França), descobriu que Samba da benção havia sido utilizado na trilha sonora do filme Um homem e uma mulher (de Claude Lelouch), vencedor do festival, sem que os autores fossem mencionados. Depois de. uma ameaça de processo, seu nome e o de Baden Powell passaram a constar da apresentação do filme.

Em 1967, após a estréia do filme Garota de Ipanema, no Rio de Janeiro, afastou-se um pouco das atividades musicais, organizando festival de arte em Ouro Preto MG. Em 1968 foi punido pelo Ato Institucional n.º 5 com aposentadoria compulsória do Itamaraty, depois de 26 anos de serviços prestados. Também em 1968, participou de show em Lisboa, Portugal, ao lado de Chico Buarque e Nara Leão, e em Buenos Aires, Argentina, com Dorival Caymmi, Baden Powell, Quarteto em Cy e Oscar Castro-Neves. No ano seguinte, apresentou-se com Dori Caymmi e Maria Creusa em Punta del Este, Uruguai. Em 1969, tornou-se parceiro de Toquinho, e, em 1970, com Marília Medalha, fizeram show em Salvador BA, no Teatro Castro Alves. Nesse ano,
os três apresentaram-se também em Buenos Aires, na boate La Fusa. Também fez sucesso com Gente humilde, cuja letra foi escrita em parceria com Chico Buarque, a partir de um tema musical composto cerca de 20 anos antes por Garoto, e lançou o livro Arca de noé, que em 1980 seria transformado em dois programas especiais da TV Globo. As musicas desses programas foram gravadas em LP por Toquinho: A arca de noé (Ariola, 1980) e A arca de noé Vol. 2 (Ariola, 1981); ambos depois lançados na Itália.

Em 1971, as primeiras composições da parceria com Toquinho, como Tarde em ltapoã e Como dizia o poeta , foram lançadas em LP pela RGE. A partir de então, iniciaram grande atividade artística, apresentando-se em shows pelo Brasil e exterior, e lançando sucessos como Maria-vai-com-as-outras (1971), Testamento (1971), Regra três (1972) e outros. Em fevereiro de 1973, apresentou-se, ao lado de Toquinho e Clara Nunes, no show O poeta, a moça e o violão, no Teatro Castro Alves, em Salvador. Em 1974, suas composições As cores de abril e Como é duro trabalhar foram incluídas na trilha sonora da novela Fogo sobre terra, da TV Globo, e lançadas em LP pela Philips. No ano seguinte, a Philips lançou o LP Vinícius e Toquinho, e a RGE,
Toquinho e Vinícius – O poeta e o violão; na França, saiu o LP Le Brésil de Vinícius de Moraes avec Maria Creusa et Toquinho (EMI e Pathe Marconi). Em 1976, pela RCA Victor, foi lançado o LP Ornella Vanoni/Vinícius de Moraes/Toquinho – La voglia/La pazzialL’inconscienzalL’allegria. Ainda na década de 1970, foram gravados os LPs: Deus lhe pague , com músicas em parceria com Edu Lobo (EMI, 1976); Toquinho & Vinícius (RGE, 1977); Tom, Vinícius, Toquinho e Miúcha , gravado ao vivo no Canecão (Som Livre, 1977); Vinícius – Antologia poética (Phonogram, 1977); Amália/Vinícius (Chantecler, 1978); e 10 anos de Toquinho e Vinícius (Philips, 1979). Na década seguinte, saíram os LPs Vinícius de Moraes – Poeta y amigo (Philips,1980), em castelhano; Marcus Vinícius da Cruz de Melo Moraes (álbum duplo, Som Livre, 1980); Toquinho/Vinícius – Um pouco de ilusão (Ariola, 1980), último LP da dupla, que totalizou 20 LPs
gravados; e, postumamente, O grande encontro – Maria Creusa, Toquinho e Vinícius (Som Livre, 1988), com participação de Marília Medalha e Monsueto, e Vinícius de Moraes (Empresa Carioca de Engenharia, 1988). Em 1991 foi lançado o CD triplo A história dos shows inesquecíveis – Poeta, moça e violão: Vinícius, Clara e Toquinho , pela Collector’s Editora. Em 1993 saíram pela Lumiar Editora (Rio de Janeiro) os três volumes do songbook Vinícius de Moraes, de Almir Chediak.

Dois anos depois, a cantora portuguesa Eugênia de Melo e Castro lançou um CD dedicado inteiramente às suas musicas. Em 1991 e em 1996, José Castelo publicou os livros Vinícius de Moraes – Livro de letras (Companhia das Letras, São Paulo) e Vinícius de Moraes (Relume-Dumará/Rio Arte, Rio de Janeiro). Em 1997 foi publicado Vinícius de Moraes , de Geraldo Carneiro (Toca do Vinícius), reedição com algumas ampliações do livro lançado em 1984 na coleção Encanto Radical, da Brasiliense. Vinícius faleceu no Rio de Janeiro em 09 de Julho de
1980.